Художник Сергей Трубин, (Архангельск)

Офорты Сергея Трубина – явление сложное.
Техника офорта справедливо считается одной из одной из самых трудных в изобразительном искусстве. Тому кто оставался один на один с маленьким листом металла знакомо чувство страха перед его черной загрунтованной поверхностью. Офорт не терпит дилетантов. Чтобы добиться серьезного результата этой технике надо отдать целую жизнь.

Сложное также и потому, что центральная тема в творчестве С.Трубина – эротика, требует от автора и безупречного вкуса, и абсолютной индивидуальности. Художник копирующий чужие эмоции никому не интересен. Создать и утвердить свой собственный почерк в жанре, который нетерпим к любой фальши и банальности, непросто даже большому мастеру. Сергею Трубину эту задачу решить удалось.

Эстетика эротических композиций С.Трубина неоднородна. Сложные, неожиданные метафоры офортов “Прогулка” и “Фазы луны”, с пространственными тональными акцентами и подробной детализацией, близки к традициям классической гравюры. Звонкая, почти плакатная эстетика в листах “Подруги” и “Девушка с козлом” смотрится и остро, и современно. Интересно и нетривиально использование больших масс белого, в целом, нехарактерное для гравюры на металле. Очарователен утонченный романтизм композиции “Эхо”, офорта удивительного и по ритмическому напряжению, и по изысканной тональной разработке этого двухфигурного сюжета. Обаяние, лиризм, чистота стиля этой работы дают возможность назвать этот лист подлинным произведением искусства. На фоне безсмысленных декоративных тенденций заполнивших современную графику, творчество Сергея Трубина, эмоционально честное и открытое, имеющее и свой голос, и свои интонации несомненно найдет и своих настоящих зрителей. ©

by Russian Art & Paris


.
.

Художник Анастасия Вострецова, (Санкт-Петербург)

Понимаю живопись, как искусство изображения мира в его красоте, будь то человек, пейзаж или цветок. Во всем есть свои краски, свое настроение, своя душа. В физическом мире, через совершенство формы,  божественное проявляется в красоте. Красота раскрывает, выражает вечное. В своих картинах я стараюсь следовать этому порядку, стремясь к тому, чтобы живопись пробуждала в душах зрителей целый мир мыслей, эмоций – радостных или грустных, но всегда поэтичных и возвышенных.  Не всегда и не в каждой работе удается достичь этого результата, но это та главная цель без которой живопись теряет смысл.

Я часто общаюсь с артистами, с миром балета и мне очень близки слова великой русской балерины Анны Павловой обращенные как к артистам балета, так и к художникам…да и вообще ко всем людям: «Давайте больше танцевать и постараемся обрести больше красоты в танце также, как и в жизни. Истинный художник – танцует ли он или делает нечто иное – всегда стремится к красоте. Так давайте же станем миром истинных художников, как становимся миром танцовщиков, поскольку, заменяя уродство красотой как в видимых изображениях, так и в неосязаемых областях, мы понемногу приближаемся к счастью и совершенсту..»

Анастасия Вострецова, художник. 

.

На фоне современной живописной ситуации, где нет меры свободе выражения, мы перестаем задумываться о том, что есть и обратная сторона вседозволенности: это опасность утраты готового, «обработанного» за века равновесия между традицией и новаторством, которые связаны друг с другом неразрывно.

Сегодня зрителя, сколько–нибудь искушенного в искусстве, трудно удивить броской терминологией актуальных течений. Все они на слуху, да и на виду. Выставочное пространство Петербурга изобилует всевозможными  художественным «измами», и каждый мастер  вооружившись новейшим художественным арсеналом ,творит свои живописные миры. Изощренные и причудливые, они по своему интересны. Однако часто таким «от ума» выдумкам недоствет главного – артистического мастерства и своеобразного качества исполнения, то есть того, что и способно сделать из живописца настоящего художника.

Этим проверенным, истинным критериям искусства полностью соответствует творческий почерк Анастасии Вострецовой. Молодой художник, закончившая в 2008году Академию Художеств, уже до этого прошла хорошую живописную выучку в родном Екатеринбурге и успела зарекомендовать себя, как талантливый мастер на многих выставках.

Узнаваемая и вместе с тем оригинальная художественная манера  Анастасии вбирает в себя лучшее из художественного наследия изобразительного искусства. Аналогии с русской школой реалистической живописи ХIX- начала ХХвека. (вспоминаются поленовские пейзажи и своеобразная, яркая красота красок Малявина) присутствуют в ее творчестве  наряду с явныи отсылками на живопись Мане и Дега.. При этом Анастасия остается творческой индивидуальностью со своим свежим и неповторимым взглядом на явления окружающего мира, вносящим поэзию в каждую его частичку.

Кисти художника доступны всевозможные жанры- пейзаж, портрет, натюрморт, сложные фигурные композиции. Разнообразию тем вторит разнообразие художественных техник. Привычное масло соседствует с пастелью, техникой изысканной и утонченной, которая может служить настоящей проверкой художественного дарования. Сюжет, в первую очередь обращающий в масляной живописи внимание на себя, отходит на второй план – взгляд зрителя захвачен шероховатой поверхностью бумаги, живым, беглым мазком пастельного карандаша, мягкими переходами тона или же наоборот, смело и открыто положенным штрихом чистого цвета. В пастели немыслимы работы масштабные по формату, так и по содержанию; камерный характер определяет и выбор самих мотивов.

Так и у Анастасии  лиричной художественной интонации вторит определенный круг сюжетов – натюрмортные постановки, словно воскрешающие дух старого дворянского была; яркие народные типажи с пряным  восточным колоритом; а особенно балетная тематика, мир сцены и закулисья  Трепетная и мягкая вибрация пастельных красок деликатно передает хрупкость и грацию юных балерин, прекрасных не только в образе Сильфид или воздушных нимф, но и в обычной жизни. Непринужденный жест девушки, поправляющей грим, чуть утомленная поза присевшей отдохнуть танцовщицы – все это пронизано природной красотой, почти неизъяснимой. Невольно возникают ассоциации с Зинаидой Серебряковой, так же увлекающейся темой балета в 1920 годах. Но если у старшего мастера то был праздничный , театральный во всех смыслах, то Анастасия интерпретирует его скромней и сдержанней. Театр предстает как часть этой жизни, естественным, не рутинным, способным каждый раз открывать внимательному и чуткому взгляду зрителя новые нюансы и полутона прекрасного.

Ольга Павлова, искусствовед 

.

***

Санкт-Петербургская консерватория им. Римского-Корсакова и компания «AKIVA TALMI PRESENTS » (США) организаторы новой ежегодной выставки-конкурса, посвященной 150-летию Санкт-Петербургской государственной консерватории им. Н.А. Римского-Корсакова.

Презентация проекта состоялась в мае 2011 года. Открытие первой выставки-конкурса прошло в фойе театра оперы и балета Санкт-Петербургской консерватории. В ней приняли участие более 20 авторов: студенты Санкт-Петербургской академии художеств им. И.Е Репина, художественно-промышленной академии им. А.Л.Штиглица, уже известные петербургские художники, члены союза художников Санкт-Петербурга, члены союза пастельного общества. На открытие выставки приехал президент американской компании «AKIVA TALMI PRESENTS» Дан Талми. Жюри конкурса возглавил народный артист СССР Олег Виноградов. В первом туре конкурса призерами стали три автора: Ином Мансуров – художник театра и кино, Эльмира Мустафина – один из самых известных акварелистов Санкт-Петербурга и Анастасия Вострецова – недавняя выпускница СПб Академии художеств им. И.Е Репина.

Идея выставки-конкурса “Балет в изобразительном искусстве” приурочена к юбилею Санкт-Петербургской консерватории, который состоится 2012 году. Французское слово «BALLET» произошло от итальянского слова «balet-to» – танец. Вот уже три века этим словом называют спектакль, в котором соединились музыка и танец, драматическое и изобразительное искусство. Балет – это та тема, которая всегда вдохновляла художников и скульпторов, а «Русский балет» это особая тема в мировом искусстве. 29 апреля 2012 во всемирный день Танца в театре оперы и балета СПб Консерватории состоялся торжественный хореографический вечер, на котором прошла презентация первой части экспозиции выставки-конкурса  “Балет в изобразительном искусстве”. С вступительным словом выступил народный артист СССР, декан режиссерского факультета Олег Виноградов. 31 мая 2012 в театре оперы и балета консерватории состоялось торжественное вручение дипломов и премий участникам выставки-конкурса.

Наталья Яблокова, куратор проекта

.

Анастасия Вострецова родилась в 1981 году в Екатеринбурге. Там же в 2000 году закончила Художественное училище им. Шадра, живописное отделение. В 2008 году закончила Санкт Петербургский Государственный институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина (мастерскую проф. Девятова; живопись, реставрация). Живет и работает в Санкт Петербурге.

От редакции: Три месяца в Сети.

Дорогие читатели журнала “Russian Art & Paris“.
За три месяца существования нашего издания его виртуальные страницы посетили любители изобразительного искусства из многих стран мира. Мы рады каждому из вас!
Ваши письма, которые мы получаем ежедневно, также предмет нашего постоянного внимания. Какие-то ваши просьбы мы выполняем сразу и с удовольствием, как например то, о чем нас попросил мистер Хейман из Вены: “Please put me on your mailing list now. Thank you, Peter Heimann – Vienna, Austria“.  Дорогой мистер Хейман, Ваше имя и е-мэйл адрес будет отныне и навсегда стоять в нашем рассылочном списке под номером один.
В большинстве случаев, ваши предложения о публикациях требуют гораздо более серьезных размышлений. Пожалуйста, наберитесь терпения. Вы можете быть абсолютно уверены в том, что ни одно письмо не остается без внимания.
Сегодня мы особенно благодарны нашим авторам – искусствоведам и критикам, тем, кто вместе с нами начинал создавать этот журнал с пустого редакционного стола. Их лица и творческие биографии традиционно остаются “за кадром“, но их присутствие в мире искусства не менее важно чем присутствие самих художников. Зрителям нужны и те и другие.
Журнал только начинается, не все разделы еще развернуты и не все рубрики открыты, но самое главное что у нас сегодня есть это вы – наши читатели! О том кто вы и откуда, лучше всего расскажет статистика посещений, которую мы и предлагаем сегодня вашему вниманию.

Художник Андрей Шустов, (Набережные Челны)

Тонкая еле различимая линия, в начале робко перемещающаяся по холсту пристраиваясь и уточняясь; затем растягивается, крепнет, набирает силу цвета, цепляется за края подрамника и наконец, превращается в горизонт. Горизонт линейно жесткий  и четкий, один из главных персонажей моих картин.
Горизонт стола, горизонт комнаты, горизонт пейзажа,  очень низкий, очень высокий,  определяет границы действия персонажей, то скупо наделяя их небольшими участками свободы, то щедро  отправляя в пустынную безграничность.
Горизонт, режущий плоское пространство, мимикрирующий в край расписной ширмы, за которую невозможно заглянуть, и которую уже не в силах отодвинуть.  Горизонт,  оставляющий за собой  право исчезнуть с холста и снисходительно наблюдать со стороны за движением статичных пятен картины, заставляющий верить в свою необходимость и несокрушимость даже автора.

Андрей Шустов, художник. 

.

В современном мире искусства эры полистилизма очень трудно не потеряться и стать заметной фигурой со своим собственным художественным миром, интересным для поклонников изобразительного искусства. Изучение опыта предшественников и овладение грамматикой живописи того или иного стиля ещё не есть гарантия успеха. Это может стать только точкой опоры. Отталкиваясь от неё, выстраивая собственные мысле-образы, свой мир чувств, каждый должен идти своим путём, доверяясь интуиции и упорно стремясь к независимому чувству своей индивидуальности. Кто-то идёт путем созерцания и отражения реального мира, а кто-то – путём размышления и преображения  природных форм.

Художником, ищущим свою собственную интонацию в синтезе конкретного и вымышленного, безусловно, является Андрей Шустов. Его поиски нового пластического языка – это исследованиe колористических, цветовых возможностей живописи. Поиски эти опираются на опыт художников французской  живописной школы конца 19 – начала 20 веков и их последователей на русской почве. Видимо отсюда и особый интерес  художника к жанру натюрморта. Бессюжетная картина, как фрагмент отражения реального мира, ставшая наиболее популярной в среде художников с начала 20 века, открывает огромные возможности интерпретации натуры. Максимально приближая объект, фокусируя своё внимание на его целостности и материальности, художник помещает его на холсте крупным планом, отделяя от окружающей реальности. Двухмерное пространство холста, таким образом, становится сгустком живописной материи, некой декоративной стихией, состоящей из живого ритма цветовых пятен. («Лук», «Чай»)

Пейзаж, игравший некогда второстепенную роль, оформляется в самостоятельный жанр начиная с 17 века. Его расцвет приходится на 19 столетие. Именно в это время он поднимается до значимости “вечной темы”. В современном искусстве его позиция остаётся неизменной. Огромное разнообразие существующих форм материального мира, движение и внутренние связи единой природной субстанции являются творческим импульсом для индивидуального прочтения темы. В этом традиционном жанре продолжают плодотворно работать многие современные художники, в том числе и Андрей Шустов, отдающий предпочтение городскому пейзажу. Эффект его картин строится в основном на контрасте нескольких основных локальных цветовых зон и органичных им дополнительных тонов, разбитых ритмами созвучий. Подобные работы являются фрагментами реального мира, преобразованными воображением автора в плоскостно-декоративную композицию, с сильным цветовым напряжением и динамическими ритмами, в которой много солнечного света. В городском пейзаже сама архитектура с её геометрическими формами, имеющими чёткие контуры, словно подсказывает соответствующее решение – организацию пространства композиции в стиле витражной техники со строгой огранкой красочных пятен («Залив», «Прошлогоднее солнце», «Жерона», «Зной»).                                                                               

Искусство Андрея Шустова притягательно еще и тем, что автор принадлежит к художникам живописно мыслящим. Каждый элемент его картин возникает не случайно, а согласно особой логике отражения реальности, и настоящей, и той, что рождается внутри него. Сюжетные картины – это плоды воображения живописца, его художественной фантазии вкупе с явным присутствием иронии и склонности к оксюморону («Допотопное детство»). Подобная авторская интонация подкупает зрителя и радушно раскрывает «портал» в придуманный им мир. Этот мир населён трогательными,  смешными, наивными и обаятельными героями, в чем-то похожими на нас, со специфически упрощёнными формами – бородатыми мужчинами, женщинами, кентаврами, существами с крыльями, а также птицами и рыбами… Фигуры чудаковатых образов статичны и их состояние и настроение определяет жест, поза, поворот головы («Купание в проруби», «Рубикон» и др.)

Основным стержнем  его живописных произведений является цвет. Вот что по этому поводу говорит сам художник: «Картина – это пятно. Картина – вместилище больших цветовых пятен, то рассыпающихся в смальту мозаики, то собирающихся в стёкла витража. У пятен строгая иерархия. Главный цвет фрагмента окружён вспомогательными, усиливающими, ослабевающими, размывающими границы, но не дающих сорваться в крик. Цвет, как тапёр в немом кино лепит эмоциональное содержание картины. Сюжет часто только повод, субтитры, бегущие строкой, иногда непрочитанные…»

Есть eщё один важный элемент его работ – горизонт, как пространственная координата. «Горизонт линейно жесткий и четкий, один из главных персонажей моих картин. Горизонт стола, горизонт комнаты, горизонт пейзажа. Низкий или высокий он определяет границы действия персонажей, наделяя их небольшими участками свободы. За горизонтом плоское неглубокое небо или плотная цветовая субстанция, вырезающая или размывающая участников скрытого действия…» Местоположение этой линии способно менять авторскую интонацию, влиять на тембр эмоционального звучания полотна.

Придуманный художником «цветной мир, стены которого не толще загрунтованного холста», теплый, чистый, хрупкий и загадочный. Встреча с его обитателями увлекательна. Их странные на первый взгляд действия могут вызывать улыбку, сочувствие, а могут заставить задуматься и … открыть в них новые скрытые смыслы, созвучные нашему времени. Иногда само название картины подталкивает к этому («Окнограф», «Зеленое дерево» и др.).

Каждая картина Андрея Шустова – это маленький фрагмент  его особого живописного чувствования, вбирающего в себя  весь калейдоскоп жизненных впечатлений, рассуждений, воображений и фантазий, запечатленных в разнообразных мимолетных проявлениях и представлениях. Все вместе они составляют живописную вселенную художника. И каждая из них «продолжается до того момента, пока в углу холста не появится подпись того, кто так похож на пестро одетых бородатых мужчин».

Марина Абрамова, искусствовед,
член Союза художников Российской Федерации.

.

“…взгляд на предметы, как на источник информации о цветовой гармонии и пластических конфликтах, о смысле и судьбе материального мира. Все это у художника Андрея Шустова умело собрано в короткий рассказ под названием – “натюрморт“. Рассказ спокойный по форме, но предельно напряженный и яркий эмоционально.“

Катерин Косте, обозреватель журнала “LUXE IMMO“.

.

Андрей Шустов родился в 1963 году.  Живет и работает в городе Набережные Челны. Закончил художественно-графический факультет Елабужского государственного педагогического института (1989, с отличием). Значительное влияние на творчество Андрея Шустова оказали неоднократные встречи с художником Юрией Лариным (Ларин Юрий Николаевич, 1936 г.р., Москва) сформировавшие новое понимание и подход к живописи. 

.

.

.

Художник Гиви Сипрошвили, (Рязань)

Читателям Russian Art & Paris.
Вспоминаю, как будучи студентом, у меня совсем не получалась форма модели в рисунке. Стирая до дырок бумагу, я никак не мог добиться целостности, слишком были заметны детали и выскакивали вперед.
Вскоре к нам пришел новый педагог по рисунку, молодой художник Леван Цуцкиридзе, который, наблюдая за моими мучениями, рассмеялся, подошел и двумя линиями завершил рисунок. Я с удивлением посмотрел на него и воскликнул :”Так это так просто? Всего лишь две минуты?”
С годами, когда накопился опыт в творчестве, я всегда с улыбкой вспоминаю свое наивное заключение :” Как это просто!”.

Сипрошвили Гиви, художник.

.

.

“Всегда хотел показать характер и состояние души”.

   Интервью художника Гиви Сипрошвили журналу Russian Art & Paris.

.
RA&P: – Гиви Ираклиевич, двадцатый век – это уже история. Что Вам запомнилось?

Гиви Сипрошвили: – Оглядываясь назад, мне кажется, самым плохим событием был распад Советского Союза. С другой стороны, страны получили независимость, а люди свободу. В том числе и свободу перемещения по миру, и радость самосознания. Это очень здорово!

RA&P: – Окажут ли художники двадцатого века влияние на развитие изобразительного искусства в будущем?

Гиви Сипрошвили: – На мой взгляд, не только старые мастера влияют на формирование отношения к искусству. Такие художники, как Пикассо, Дали, Малевич, Кандинский, Шагал останутся востребованными и в будущем. Думаю, и в современной России много замечательных художников, которые в скором времени займут достойное место на мировой арене.

RA&P: – Вами созданы яркие и запоминающиеся образы. Можно ли рассматривать Ваше творчество как продолжение традиций Босха, Брейгеля?

Гиви Сипрошвили: – Честно говоря, я всегда хотел в моих работах показать характер и состояние души человека, наверно в этом и просматривается влияние старых мастеров на мое творчество. Многие мои персонажи вымышлены, но они всплывают из повседневного жизненного наблюдения, из натурных набросков.

RA&P: – У Вас много произведений портретного жанра, что Вы хотели бы отметить?

Гиви Сипрошвили: – Наибольшее удовлетворение я получил от портрета «Эйнштейн». Мне кажется, в этой работе я смог передать целеустремленность, энергичность и свободу мыслей ученого, которые помогли совершить ему столько открытий. Из моих последних портретов, на мой взгляд, интерес вызывает работа, под названием “Новый сосед”, в которой больше всех раскрыт характер персонажаи отношения между двумя соседями. Также, у меня есть мечта, написать портрет великой грузинской певицы Нани Брегвадзе, но мечта пока остается мечтой.

RA&P: – Были ли в Вашей долгой творческой жизни неудачи? И, напротив, какие произведения Вы считаете самыми значительными?

Гиви Сипрошвили: – В жизни бывали как подъемы, так и падения. Одно из падений произошло, когда у меня украли большинство законченных работ, около семидесяти произведений подготовленных к выставке. Кризис продолжался почти десять лет, мои кисти хорошо отдохнули. Но потом, мало-помалу все встало на свои места.
Наиболее интересной из моих работ, считаю картину “Троица”.

RA&P: – На Ваших холстах много женских лиц, а какие женщины Вас привлекают в жизни?

Гиви Сипрошвили: – Мне нравятся все женщины, без исключения. В каждой женщине есть своя изюминка.

25 июня 2012

.

НА ЗЕМЛЕ И В НЕБЕСАХ
Почему издавна принято считать, что у русских и грузин много общего? В наши дни, когда отношения между Грузией и Россией сведены к минимуму,  Грузия живет в сердце даже у тех, кто не бывал там никогда, а виной этому  художники и «глубокая и жгучая страсть северянина к югу», как писал в начале 20 века искусствовед и художник Александр Бенуа.

У художников не бывает легких судеб, а год рождения Гиви Ираклиевича Сипрошвили – 1940-й, говорит сам за себя, и на седьмом десятке лет ему пришлось перебираться в Россию отнюдь не от тяги к перемене мест. Выросший на теплой, яркой и ласковой земле Грузии,  художник не отделяет себя от ее культуры, он ее часть; часть, как прошлого, так и настоящего, он исповедует ее нравственные законы, высокий градус его национального темперамента не снижается с годами.

В силу печальных обстоятельств практически не осталось его произведений 70-х начала 90-х годов, но обзор произведений 2000-х годов дает яркое представление  о творческой и жизненной неуспокоенности автора, о его постоянном поиске пути красоты и истины. Это поиск мудрого человека и зрелого мастера, он ни в коей мере не связан с умозрительным и суетливым поиском собственного «Я», в творческом пути мастера чувствуется восточная самодостаточность человека древнейшей культуры .

Наиболее ранние его произведения –  «Весна. Школьница», «Клоун», «Эхо», это разные живописные и пластические манеры, их же условно можно назвать отправными точками нескольких живописных циклов. Несмотря на различие задач,  эти произведения  объединяет взаимодействие пространства и фигур, пространство у художника всегда напряженное, наполненное, кажется, что оно само или лепит или высекает изображение. Пространство картины является формообразующим, в нем сконцентрированы новые возможности изобразительности, потенциальное бытие формы и зерна ее развития.

Палитра художника  может быть как чрезвычайно яркой («Первый поцелуй»), так и аскетично-сдержанной («Ветераны», «Беженцы Абхазии»). В этих произведениях, тема которых с болью пережита самим художником, земля и люди составляют как бы единой целое, единую плоть, и люди уходя или погибая, растворяются, остаются в ней. В картинах  Г.И.Сипрошвили встречается много деталей, являющихся связующими нитями между временным и вечным, между прошлым и будущим. Горько-поэтична и светла его работа  «Когда прозвонит звонок», где заоблачный мир притягателен и сияющ, но еще ярче сияет, удерживая душу, земной колосок. «Смерть Пиросмани» по своей сути так же автопортретна, как и «Автопортрет. Охота», они и вылеплены из одного красочного теста. Автопортретность присутствует и чисто в формальных  решениях, таких как «Тоска». Словом – далекое прошлое, мир реальный и мир воображаемый – это все омывает душу художника и становится ее отпечатком на холсте.

Замечательной удачей автора среди его сюжетных работ является «Юдифь». Ветхозаветная история, к которой на протяжении веков обращались великие мастера, трактована остро, современно, с долей иронии и вместе с тем с благоговением перед победительной  юностью и красотой. Особая фактура этого произведения, кропотливая работа автора с красочной поверхностью придает ему волнующее обаяние древности. Своеобразной фольклорной параллелью «Юдифи» является картина «В старом яблоневом саду», где тоже присутствует тема юности и старости, несбыточности любви и сладости греха.

Портреты Г.И.Сипрошвили – это своего рода поэтические метафоры, но в них есть и острота  личного отношения и образная точность и пространство тайны. Небольшой цикл работ, который условно можно назвать «профили» («Доктор и пациент», «Двое», «Эйнштейн»), многодельный, сложный по фактуре, отличается ясной, едва ли ни медальерной лаконичностью изображения, при их философской глубине и метафоричности. Но как у всякого настоящего грузинского художника в этих портретах всегда есть добрая улыбка, как приз зрителю, разгадавшему интригу портрета. Выходом на новый уровень образности можно считать работу «Адам и Ева», где есть не только пластическая формула любви и бытия, но и особая просветленность, вера в небеса, в то, что Бог не оставит своих грешных детей.

Вечная жажда художника – это жажда красоты. Она  в портретах, пейзажах, она и вне осязаемого мира –  свободном полете, в снах, мечтах, утопиях. Это цикл произведений с высокой степенью условности, которые художник называет «Фантазии». Композиция, названная автором «Фантазии-19»  – раскрывающийся цветок ли, раковина ли, это – создание, полное ослепительных возможностей, так же как и напряженная живописная структура в холсте «Галактика». Декоративный натюрморт «Красный кувшин» – это земная красота простых вещей, через которую будто бы проходит  поток идеального божественного замысла. Антитезой этим снам и фантазиям о совершенстве является «Апокалипсис», этакий цветок зла, переплавляющий красоту земную в смерть, и одновременно смертные оковы разрушающий. В этом горниле и лик самого художника, и узнаваемые черты героев его произведений.

Техническая сторона произведений Г.И.Сипрошвили удивляет своим разнообразием: где-то это большие красочные плоскости, выложенные мастихином («Ночные бабочки»), где-то это тягучий, пластичный мазок, моделирующий форму («Вечерний звон»). В некоторых произведениях сложная зернистая фактура с цветными подкладками, рельефными оттисками, процарапыванием – сама по себе становится драгоценной и требует лишь изящного касания кисти для рождения изображения («Отдых», «Розы». Многие приемы являются уникальным авторским изобретением  живописца «Кахетинец», «Доктор и пациент», «Двое». Работа  художника с фактурой придает его произведениям особую драгоценность.

Но как бы ни были интересны технические приемы, не они, не ремесленная сторона делает живопись Г.И.Сипрошвили ярким явлением в изобразительном искусстве. В его работах – философских притчах и натурных пейзажах, фантазиях и натюрмортах – есть мысль, душа, широкая  эмоциональная палитра, а главное – любовь, то, без чего не рождается тайна Искусства.

Ирина Протопопова, искусствовед,
член Союза художников Российской Федерации.

.

Сипрошвили Гиви Ираклиевич, живописец, график родился в 1940 году в Грузии. В 1971 году окончил Тбилискую Академию художеств по специальности живопись. Его учителями в Академии художеств были такие извесные художники, как Корнели Санадзе, Коки Махарадзе, Лапиашвили, Уча Джапаридзе. С 1974 года член Союза художников СССР и Грузии. С 2000 года член Международной Федерации художников (ЮНЕСКО)
В 2009 году награжден премией “Талант и призвание” международного альянса “Миротворец” в сфере культуры и искусства. В 2009 году признан почетным гражданином города Форте-дей-Марми в Италии, где представлял российское искусство в рамках фестиваля русского искусства и кино “MAESTRO”, мэром города Форте-дей-Марми был награжден медалью.
.

 .


Художник Ринат Шарафутдинов, (Магнитогорск)

Мастерская магнитогорского художника Рината Шарафутдинова находится в центре города. В ней светло и уютно, приятно пахнет краской. На полках – книги о любимых художниках. На антресоли – аккуратно сложенные холсты. В углу – небольшой диванчик и стол, на котором для гостей всегда стоит вазочка с орехами… Здесь всё располагает к работе вдумчивой и серьёзной, не терпящей суеты и беспорядка, как внешнего, так и внутреннего.
     Именно здесь, в небольшом уральском промышленном городке, расположенном на границе Азии и Европы, вдали от постороннего глаза и тишине рождается искусство Рината Шарафутдинова.  Примечательно утверждение Федерико Феллини о том, что ” настоящие гении могут выходить только из провинции, поскольку недостаток впечатлений детства заставляет людей целеустремлённых компенсировать его своей фантазией, и жадность восприятия приобретает гипертрофированные размеры” …
     Надеюсь, что читателям интернет-журнала «Russian Art & Paris» будет интересно познакомиться с творчеством художника из русской глубинки.  Новое  мироощущение, адекватное нашему времени, в котором территории различных культур, цивилизаций и религий являются общими для всего человечества, позволяет расширить горизонты художественного пространства. В этом пространстве каждый талантливый художник, обогащая собственные творческие возможности, может вдохнуть в старые традиции новую жизнь, новое содержание, соответствующее его внутреннему «я». Таким художником с неповторимым индивидуальным  почерком является и Ринат Шарафутдинов. 
.
Ринат закончил Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское) отделение монументальной живописи. Первая его большая работа в этой области – роспись «Зачарованные охотники» в городской детской больнице. Затем последовали другие интересные заказы – мозаика «Движение» на фасаде Ледового дворца, роспись с рельефом «Лето» в школе им. И. Х. Ромазана, мозаика «Богатство земли уральской» в интерьере «Челиндбанка» и роспись «Театр» в интерьере ресторана «Наше всё». Но монументальное искусство в 90-е годы в масштабах страны теряет свою актуальность, и многие художники, в том числе и Ринат, переключают свой интерес в область станкового творчества.
     Кстати, в характере Рината, рождённого под знаком Скорпиона, прекрасно сбалансированы разум и эмоции. Этот баланс присутствует и в его творчестве. Рациональная чётко продуманная живописная система художника не просто «интеллектуальная игра». Это неустанный поиск гармонии, и цветовой, и пластической. На холстах им просчитывается всё:  выразительность линий, форм, целесообразность ритмических повторов, равновесие композиции, организация пространства цветом, тонкое взаимодействие всех элементов живописи, как единого и самостоятельного организма. И в каждом конкретном холсте ощущается присутствие искренней поэтической интонации. Это присутствие усиливает ощущение универсальности и монументальности его полотен. Так в работе «Вечер на лысой горе» старые горы, эти вековые свидетели истории сотворения земного ландшафта, оживают. Они поднимают свои широкие «спины» навстречу тёплым лучам солнца, а между их замшевыми склонами в небольшой деревеньке бурлит своя земная размеренная жизнь, подтверждая присутствие человека. Это соседство подобно встрече Мгновения с Вечностью.
     В таких его картинах как «Ягоднаяпора», «Деревенька», «Встреча», «Купальщицы», «Мой край» высокая линия горизонта позволяет охватить взором некую «территорию урги». Это идиллическое состояние не разрушается присутствием человека. Покосившийся деревенский забор, маленькие домики, скирда сена, одинокая лошадка – всё это только подтверждает разлитую в природе благодать. Звучащая в холстах музыка пространства и света наполняет полотна удивительной гармонией и радостью бытия, чувством единения человека и природы, чувством, которое навсегда утрачено в современном урбанистическом пространстве. Художник вновь и вновь открывает нам привлекательность и особую прелесть обыденного, то, что мы порой не замечаем в бешеном ритме современной жизни… Он акцентирует наше внимание на таких богом забытых островках счастья.
     Автору подвластна передача разнообразных эмоциональных состояний – от задумчивости и тихой грусти («Последний луч», «Светлая ночь», «Тишина») до откровенной чувственности и пластической экспрессии («Разговор», «Рыбаки»). Его работы притягивают не только поэтическим проникновением в суть изображаемого, но и таинством живописной техники, многообразием «драгоценных» оттенков (серебристых, золотых, бронзовых и т.п.),  фактурностью красочного слоя, загадочно мерцающей цветом и светом.
     В своих поисках художник не ограничивается отражением увиденного. Он преображает природные формы, относится к ним как к живой субстанции, сгустку материи и смело формирует, уподобляя форму знаку, сливая силуэты в единый объём, достигая в своих композициях особой пластической ясности («Двое», «Охотники», «Лесная дорога», «Ущелье» и др.). Творческое кредо художника заключается в отношении к художественной форме, как к постоянно меняющейся реальности.
     Есть в арсенале художника и совершенно неожиданная работа – «Рыжик». Портрет домашнего любимца вызывает искреннюю улыбку. Говорят, что всем существам рыжего цвета покровительствует бог Гелиос, наверное, поэтому обаяшка-кот, сидящий на крыше, столь обласкан солнцем. Солнечного света на холсте так много, что даже небо становится оранжевым, а облака розовыми. Возникает ощущение, что и сам кот излучает тепло. Это маленькое существо способно изменить пространство возле себя, сделать его добрее, сделать всех счастливее. Искусство Рината Шарафутдинова настроено именно на эту позитивную ноту.
 .
Марина Абрамова,
Главный хранитель Магнитогорской картинной галереи, искусствовед,
член Союза художников Российской Федерации.

12 июня 2012 г.

.

Ринат Шарафутдинов родился в 1959 году в г. Магнитогорске. 1975-1979 гг.- учеба в Свердловском художественном училище. B 1987 году окончил Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское), отделение монументально-декоративной живописи, мастерская профессора Орловского А.Л. Учился у доцента Волошко Ф.Ф. и профессора Гордыны С.М.  
Bступил в Союз художников России (секция монументального искусства) в 1993 году.
.
.
.
.
.
.

Художник Александр Гришкевич, (Минск)

Читателям Russian Art & Paris.
Из многих учителей, которые были в моей жизни, был один,
который и не был им в прямом понимании этого слова.
Но о двух вещах, возможно самых главных для меня, я услышал от него.
Первое. Твоя работа должна смотреться с большого расстояния. Поэтому композиционное решение должно быть ясным, четким.
Эскиз делай размером с этикетку спичечного коробка.
В этом размере уже должна читаться главная пластическая мысль.
Второе. В картине нет предметов. В картине есть компоненты.
Чашка и тень от чашки в картине равноправны. Сегодня для меня
тень от чашки имеет большее значение, чем сама чашка.

С уважением, Александр Гришкевич.

.
ХУДОЖНИК АЛЕКСАНДР ГРИШКЕВИЧ

У Максимилиана Волошина есть поэтические сравнения о том, что «художники – глаза человечества», «художник, прежде всего музыкант». У каждого художника, как известно, свой взгляд на мир, и в его душе звучит своя музыка. Вот и перед Александром Гришкевичем вырисовываются контуры совершенно иной картины мира, нежели та, которую привыкли мы видеть и звучит музыка, на которую откликается его душа. Эти свои ощущения художник и воплощает в своих живописных композициях. Он преобразует реальное в идеальное. Перед нашим взором встает образ Другого мира, который часто разительно отличается от привычного. Эти образы продукт иного самосознания, иных впечатлений и иного восприятия. И потому задача зрителя заключается в том, чтобы понять эту его «инаковость». Для того чтобы в какой-то мере приблизиться к постижению его мировосприятия, нужно понять то, как он осознает пространство и время, мир реальный и мир вымышленный, наконец, собственную личность. Самые различные аспекты художественной картины мира в конечном итоге прямо или косвенно взаимосвязаны, В достижении подобного синтеза коренится, на мой взгляд, сверхзадача, которую ставит перед собой художник. Это — лейтмотив его образно-художественного подхода. Этот подход далеко не всегда отчетливо осознается и ясно формулируется им. Подчас он остается скорее недостижимым горизонтом, к которому он стремится. Тем не менее, он всегда оставляет нам ориентир пусть даже и не всегда ясный, но помогающий выйти на путь понимания.                     Александр Гришкевич осознает, что он уже не в состоянии возродить хотя бы в относительной целостности мир, канувший в Лету. Подобное «вживание» неизбежно чревато искажениями и модернизацией. Поэтому в его работах все достаточно конкретно и ясно выражено. Художник на основе реальных зрительных впечатлений, строит свой идеальный мир. Этот мир стерилен и чист, его формы, световые и цветовые отношения выверены. Там нет места случайности и хаосу. Все подчинено авторской логике и гармонии. В этом идеальном мире нет места человеку, он не участник происходящего, он только наблюдатель. Этот мир при всей его реальности, фантастичен по своей внутренней природе. В нем, по воле художника, предметы обретают геометрическую структуру, оставаясь в то же время природными образованиями.
     В его композициях, несмотря на то, что они написаны в реалистической манере, цвет существует как бы сам по себе. Он самоценен в своей основе и воспринимается как самостоятельная реальность, несмотря на то, что ограничен контуром конкретных предметов. Четкие границы цветовых пятен предметных форм картины с различными тональными оттенками, где цвет приобретает самостоятельное звучание. У цвета есть фактура и глубина, он таинственно мерцает, усиливая ирреальность изображаемого. Поверхность картины обладает выразительными качествами, она создание художника, и наряду с цветом, является содержанием картины. В каждом конкретном случае, цвет для А.Гришкевича не просто краска, это нечто живое обладающее образным и поэтическим языком, то, что способно выразить существо художника, претендующего на звание живописца. И с этими изобразительными компонентами картины он импровизирует, компонует цветовые пятна, придает им формы, которые диктует ему его видение, его фантазия. Цветовые формы А.Гришкевича незыблемы и постоянны, в них нет проявления внешней динамики, но в них ощущается скрытое напряжение. В связи с этим очень значим для него и рисунок – линия, контур не в меньшей степени выражают его чувства, чем цвет. Композиции часто повторяются, но иное цветовое решение делает их другими по образному и эмоциональному восприятию. Перед его картинами мы вольны выдумывать свои образы, менять цветовое решение картины, преобразовывать элементы композиции. Но это уже будет наша фантазия, возможно весьма далекая от фантазии художника, но, тем не менее, навеянная его живописью.
     Холст — это пространство, в котором художник живет, отображая себя, свой мир, независимо от того, что он пишет. Живопись — это живое общение художника с поверхностью холста, переносящее его в иной мир, в другое измерение. Для А.Гришкевича основой живописного языка является двухмерная плоскость, разбуженная цветом и впечатлениями многообразной, многоликой жизни. Он рационален и строг, он не допускает стихийности и эмоциональной непосредственности художественного высказывания. Картина для него — это выход из трехмерного пространства в двухмерное. Чувство поверхности и чувство цвета — вот таинственные начала, определяющие талант живописца. Художник на поверхности холста, на этом малом пространстве переносит себя из макрокосма бытия в микрокосм картины. Игра оттенков, игра линий, плоскостей, различных форм, объемов, фактуры — все это присуще живописи А.Гришкевича. В этом заключена задача его искусства, но главным все же остается стремление сделать нас лучше, чем мы есть.

Доктор искусствоведения Валерий Жук
.

Александр Николаевич Гришкевич родился в г. Молодечно, Республика Беларусь, в 1961 году. Профессиональное образование получил в Минском художественном училище им. А.К.Глебова (1981) и в Белорусском государственном театрально-художественном институте, сейчас Белорусская Академия Искусств (1987). 1991-1994 гг. — стажировался в Творческих академических мастерских Академии Художеств СССР, под руководством академика М.А. Савицкого.  Член Союза художников Беларуси c 1996 г.
С 1984 г. участник художественных выставок.  Работы художника Александра Гришкевича находятся в Национальном художественном музее Республики Беларусь, в Музее современного изобразительного искусства (Минск, Республика Беларусь),  в Светлогорской картинной галерее (Республика Беларусь),  в Унечской картинной галерее (Россия), в фондах Министерства культуры Республики Беларусь.



.